Joinville, cidade plana. Um breve morro faz surgir o tridimensional. É possível entender, todavia, o mesmo morro em outros termos. Na simples dissonância entre o substantivo e o verbo, depara-se com a finitude. Assim, torna-se possível dizer morro de morrer. Afinal, em qualquer vila ou vida está instalado o germe de seu ocaso.

Sérgio Adriano é o ponto de partida e de chegada desse circuito: mostra-nos, de uma parte, sua mãe desfalecida e, de outra parte, o prenúncio “TUDO QUE É VIVO INCOMODA”, que aporta o trágico e o cômico no mesmo gesto. Essa sentença foi tomada de empréstimo para o título e seu sentido é o leitmotiv desta exposição.

Em seguida, Fábio Salun apresenta um caudaloso rio e acaba por instalar um diálogo com a palavra que se tornará verbo com Jefferson Kielwagen. É preciso rir afinal Joinville tem rio que se chama Cachoeira (uma piada pronta e em movimento) e artista que faz de um brownie um princípio construtivo. Arte pode ser coisa pouca e leve, muito menos do que um algodão-doce. Eduardo Baumann e Melanie Peter nos lembram disso ao passo que Juliano Jahn faz o espaço expositivo mofar a olhos vistos. Há ainda: Priscila dos Anjos com seu corpo todo e o que sobrou dele em disputa – os cabelos em trança. Rogério Negrão com seu polvo disfarçado de aparelho de parque de diversões a tecer improváveis relações com a eternidade celeste. Por fim, há risco aqui, acolá: Ricardo Kolb.

Multidão de nevoeiro. Que insiste. Neblina que se opõe ao traço. Porque ela é difusora. Torna diferença coisa única. Densa. Mas inevitável. Como a morte. Apesar disso, fiquem tranquilos, afinal, como dizia Marcel Duchamp, “são sempre os outros que morrem”.

Epítáfio para o término desta exposição:

“Nós tentamos reproduzir a realidade, mas por mais que nos empenhemos, mais se impõem a nós as imagens batidas que compõem o espetáculo da história: o tamborileiro caído, o soldado de infantaria que acaba de apunhalar outro, o olho de um cavalo que salta da órbita, o imperador invulnerável cercado pelos seus generais, em meio ao turbilhão da batalha que se congela num átimo.” (W. G. Sebald, Austerlitz, p. 74-75)

Nos trabalhos de Rocci há sempre um disparate: seus móveis improváveis produzem inquietação. Ao observarmos, por exemplo, ao arquivo azul embutido em um armário, parece haver qualquer coisa de assombroso naquilo. e no silêncio da entrega deste móvel mutante diante de nossos olhos. Quem fez isso? Qual operação tresloucada produziu esse objeto?

Nota: vale uma visita à edição 21 da galeria Interative que traz fotografias dos trabalhos de Egídio Rocci e ótimo texto de Lucila Vilela: http://interartive.org/

não porque vida machuque

ou morte cá perto esteja.

é tão-só porque falta.

sem cheiro sem desespero

não da ordem do impossível

mas como braço dormente: mexe e não sente

ensaio solo de corpo. a direção corajosa de apostar nesse corpo, de afastá-lo do excesso. de conjugá-lo no singular, de grafá-lo em minúsculo. com isso, o cenário abolido, adereços reduzidos – quase a zero. de início, corpo sobre salto alto constragedor. sem dúvida alguma, o mal estar da civilização está todo ali,  naquele sapato, na exposição do corpo sobre ele. do alto de nada.

do silêncio

música ocupa a brevidade. o silêncio invade o espaço. toma conta de tudo: do público (que sequer ousa reacomodar-se nas cadeiras), das coxias (espaço do silêncio por excelência e que assim permanece, onde tudo é cego e santo), dos refletores e das caixas de som (que, não obstante, revoltam-se contra o silêncio e emitem ruídos constantes da tensão elétrica, como a dizer estamos aqui para tornar esse corpo visível).

queda cadente

um corpo a atravessar o tempo. arrastar-se no espaço. uma poética do micro em que cada gesto assume a densidade de uma queda. assim, a porção final torna o chão o local onde tudo ocorre, sendo que o difícil é prosseguir. a vida ao rés-do-chão. a sutileza de perceber a queda não como histeria coletiva (tal qual nas espetacularizações do Cena 11) mas como um trânsito da (de)cadência . não assistimos a um espetáculo, mas sim o seu avesso. o corpo ali. todo ele.

roberta tassinari dá a ver um mundo decaído. uma pintura que se precipita. ainda assim, suave, translúcida. o gosto em ver essas cores é inegável. o desejo de tocá-las ainda maior.

uma pintura em movimento, quase cinema. porque há aqui o movimento implícito (do alto para baixo). e existe um resto, um excedente dessa operação da artista que se acumula diante de nossos pés.

nos filmes: há trechos que ficam de fora. em contrapartida, na pintura de roberta tassinari: a sobra é incorporada, faz-se obra por meio do excesso.

se pensarmos em todo o esforço da história da pintura, ao menos até o século XIX, em fazer caber as linhas e as cores no espaço delimitado de um quadro (sendo a pintura em tela a principal representante desse desejo e claude monet o sujeito que o frustrou ao fazer seus barcos atravessarem o limite das molduras e depositar esse resto de imagem no vazio). se tivermos em mente também o não menos laborioso desafio que o cinema se lançou ao decidir enquadrar as ações de modo a caberem na tela de projeção. assim, o trabalho de roberta tassinari será desconcertante. porque não diz respeito ao quadro, à tela branca de projeção. ele desliza no terreno do improvável.

e ainda: ao contrário de nossos pés, que servem para sustentar o peso de um corpo em constante luta contra a gravidade, estes trabalhos apostam na queda, na justaposição da força da gravidade com seu próprio gesto. afinal, ao posicionar-se no alto do painel para ali depositar e fazer cair a amoeba (trata-se da famosa geleca, brinquedo infantil, mas que se torna instrumento plástico no processo da artista), o que ela faz é dizer: “sim, estou aqui com meu corpo, aplicando essa massa de cor; no entanto, além do meu corpo há o acaso, que vai sobredeterminar o desenho que essa cor ganhará até alcançar o solo”.

e é nessa conjunção entre o acaso e o desejo da artista que surge esse belo trabalho. porque sim, a beleza está aqui, travestida de arte contemporânea.

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* Texto escrito a convite da artista para a exposição “Pinturas – Roberta Tassinari”, em Joinville/SC, na Galeria Municipal de Arte Victor Kursancew, de 7 de maio a 11 de junho de 2010.

o sopro.

o gesto da criação, por excelência.

do efêmero.

scaranto reinveste o arcaico:

soprar uma película transparente esférica

seu corpo, presente em cena, é o princípio

- e também o fim

condutor de uma poética do frágil

2.

utsuroi:  termo japonês utilizado por roland barthes para abordar o haikai.

“utsuroi: momento frágil que separa e junta dois estados de uma coisa e fica suspenso no vazio (em suma: é dizer pouco!) antes de reintegrar ‘outra’ → Para os japoneses, dizem, não é propriamente a flor de cerejeira que é bela: é o momento em que, perfeitamente desabrochada, ela vai murchar → Tudo isso diz o quanto o haicai é uma ação (de escrita) entre a vida e a morte.” (A preparação do romance, v. 1, p. 114)

3.

como flor de cerejeira

instante a conceder à matéria

esplendor do belo e do frágil

tempo do oco, do pouco

nada pesa

a não ser sobre si.

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* Para visualizar o vídeo “Entre Dois Nadas”, de Fabiola Scaranto, acesse a Current Virtual Gallery Interartive # 20

Nelson escrevia como quem toma cafezinho. Ainda assim, tinha úlceras: “O antiácido tem sido a minha mais recente fé”, escreveu em 1968. A infernal sinceridade impressa a cada asserção. Frases onde bastavam tão-somente uma palavra. Períodos interrompidos subitamente com um deslocado ponto final (quando o senso comum encerraria com reticências). O saber dizer sobre picolés Chicabons com a mesma importância com que se referia a Guimarães Rosa. O comicamente trágico.

Por essas e outras impressões de um iniciante que me ponho a ler de maneira sistemática sua obra teatral completa. Até então, devo ter assistido a meia dúzia de montagens de suas peças. Lembro-me sobretudo de “Vestido de Noiva”, d’Os Satyros, “Senhora dos Afogados”, de Antunes Filho e “As Noivas de Nelson”, da Cia. Paulista de Artes. O cinema e a televisão acrescentaram algum repertório (sobretudo os filmes de Arnaldo Jabor). Além disso, li esparsamente peças como “Bonitinhas, mas ordinária”, “Beijo no asfalto” e “A Serpente” assim como os textos que compõem “A vida como ela é”.

p.s.: Alguns dias após escrever as linhas acima sonhei com Nelson. Ele estava em minha frente, repartindo comigo uma mesa quadrada. Tinha uma pilha de livros nas mãos e tentava reuni-las com um cordão e um prendedor que, no entanto, rasgava o livro situado abaixo dele, cujo autor era Virgilio Várzea (colega de Cruz e Sousa, destacou-se na prosa). Disse-lhe: “Que cena ótima, o escritor que mais adoro furando o autor que eu mais admiro”. Nelson ficou feliz com minha fala e decidiu me presentear com um exemplar autografado de um livro dele. Não sei donde tirei a declarada adoração por Várzea. Será saudades de jogar futebol/várzea?

“A senhora d’Espard está indisposta, não poderá recebê-los amanhã. Eu vou me levantar e fazer companhia a ela. Sinto muito por esse contratempo, mas o seu talento me tranquiliza”.